Arianna De Luca: la ceramica come materia, cultura e memoria

Una formazione in disegno industriale seguita da anni dedicati all’attività di interior designer e infine l’approdo nel campo dell’artigianato ceramico. È questo in sintesi il percorso professionale di Arianna De Luca che nel suo laboratorio realizza oggetti nei quali convivono influenze diverse. Dall’antica tradizione ceramica mediterranea allo stile del design anni ’80

Dall’interior design al mondo dell’artigianato ceramico. Può raccontarmi in sintesi le tappe principali del suo percorso professionale?
Il mio percorso nasce dalla formazione nel design industriale, che mi ha insegnato a guardare gli oggetti attraverso la forma, la proporzione, la funzione e il processo. Ho poi approfondito questa formazione con un Master alla Central Saint Martins di Londra, un’esperienza che mi ha dato soprattutto un approccio critico e la libertà di mettere in discussione ciò che già conoscevo. Successivamente mi sono avvicinata all’interior design, ma a un certo punto ho sentito il bisogno di tornare a un rapporto più diretto con la materia e con il fare. È così che la ceramica è entrata nel mio percorso, quasi per necessità. Ho iniziato a lavorare con l’argilla e, progressivamente, quella che era una ricerca personale è diventata la mia professione. Un passaggio importante è stato il ritorno in Abruzzo e l’incontro con la tradizione ceramica di Castelli. Lì ho avuto la possibilità di confrontarmi con tecniche e conoscenze tramandate per generazioni e di comprendere quanto la ceramica possa essere, allo stesso tempo, materia, cultura e memoria. Da quel momento ho iniziato a costruire un linguaggio personale, a metà tra design, artigianato e ricerca artistica.

Che cosa la ha attratta dell’artigianato ceramico?
Innanzitutto la possibilità di ristabilire un rapporto diretto con la materia. Nel design spesso esiste una distanza tra il progetto e la sua realizzazione; nella ceramica, invece, il pensiero e il fare sono continuamente in dialogo.
Mi affascina anche la sua doppia natura: è una materia antichissima, quasi archeologica, che porta con sé secoli di storia, ma che, a seconda di come viene interpretata, può diventare estremamente contemporanea. Lavorare con l’argilla significa anche accettare una certa imprevedibilità. Il processo modifica continuamente l’idea iniziale e questo, per me, è uno degli aspetti più interessanti del lavoro artigianale.

Caratterizzate da un sapiente e meticoloso utilizzo del colore, le sue creazioni rendono omaggio alla grande tradizione ceramica mediterranea. In che modo riesce a rivisitare antichi archetipi creando un ponte tra tradizione e innovazione, tra memoria e contemporaneità?
Per me la tradizione non è qualcosa da conservare in modo statico, ma un linguaggio che deve continuare a evolversi. Non mi interessa riprodurre fedelmente forme o decorazioni del passato, quanto piuttosto assorbirne lo spirito: il legame con il territorio, il valore del fare artigianale e l’idea dell’oggetto come espressione culturale.
Mi interessa soprattutto lavorare sui codici visivi della tradizione. Prendere immagini familiari, archetipi che appartengono alla nostra memoria collettiva e riscriverli attraverso forme, colori e proporzioni contemporanee.
È una sorta di “nostalgia attiva”: non uno sguardo malinconico verso il passato, ma la possibilità di utilizzare la memoria come materia prima per generare qualcosa di nuovo. Mi piace che un oggetto possa sembrarci familiare senza essere una citazione letterale e che possa creare un ponte tra ciò che riconosciamo e ciò che ancora non conosciamo.

Un’altra importante fonte di ispirazione per il suo lavoro è il design degli anni ’80. Un periodo progettuale che ha posto l’accento sull’importanza della ricerca e della sperimentazione ponendo in rilievo le potenzialità estetiche dell’oggetto più di quelle funzionali. Sono queste le caratteristiche che apprezza di quel decennio progettuale oppure ve ne sono altre?
Degli anni Ottanta mi interessa soprattutto la libertà con cui il design ha iniziato a interrogarsi sulla propria identità e sulle possibilità espressive dell’oggetto. È stato un periodo in cui la ricerca, la sperimentazione e la dimensione più emotiva del progetto hanno assunto un ruolo importante.
Mi affascina l’idea dell’oggetto non soltanto come risposta a una funzione, ma come elemento capace di generare emozioni, raccontare qualcosa e costruire un immaginario.
Credo che questo aspetto sia vicino anche al mio modo di lavorare. Pur partendo da una formazione progettuale, non considero la funzione l’unico criterio attraverso cui leggere un oggetto. Forma, colore, materia e capacità narrativa possono avere un valore altrettanto importante. In questo senso, il design degli anni Ottanta continua a essere una fonte di libertà e di sperimentazione.

In che fasi si articola la sua produzione ceramica?
Sono coinvolta direttamente in tutte le fasi del processo: dalla nascita del concept alla progettazione, dalla realizzazione dei prototipi alla produzione, fino alla finitura, al packaging e alla spedizione.
È un processo che considero circolare più che lineare. Ogni fase influenza quella successiva e spesso è proprio il lavoro con la materia a suggerire modifiche alla forma o al progetto iniziale. Collaboro con artigiani e professionisti quando è necessario, ma mantengo sempre un coinvolgimento diretto. Per me è fondamentale non perdere il contatto con il processo e continuare a sperimentare con forme, materiali e colori.

Che tipologia di prodotti crea?
Creo principalmente oggetti e complementi in ceramica pensati per entrare negli spazi domestici e negli interni. Il mio lavoro si colloca tra collectible design, artigianato e interior design. Realizzo pezzi unici, piccole serie e collezioni, cercando di mantenere sempre una forte identità autoriale. Anche quando un oggetto appartiene a una produzione in serie, il processo manuale introduce piccole variazioni che rendono ogni pezzo diverso dall’altro. Mi interessa molto questa tensione tra unicità e riproducibilità: creare oggetti che possano essere condivisi e abitare contesti diversi senza perdere l’autenticità del fare artigianale.

Che materiali utilizza per realizzare le sue creazioni?
Il materiale principale è naturalmente l’argilla, che per me rappresenta molto più di un semplice supporto. È una materia con cui instaurare un dialogo continuo, capace di modificare il progetto e di introdurre una componente di imprevedibilità. Una parte fondamentale della mia ricerca riguarda anche gli smalti e il colore. Dedico molto tempo allo sviluppo delle palette cromatiche e alla ricerca di combinazioni capaci di evocare determinate sensazioni e atmosfere. Il colore, infatti, per me prima ancora di essere un elemento decorativo è un vero e proprio linguaggio e spesso rappresenta il punto di partenza di un progetto.

Pare che oggi l’interesse delle persone nei confronti dell’artigianato stia crescendo. Qual è il suo parere a proposito?
Sì, credo che ci sia una crescente attenzione verso ciò che è fatto a mano e verso gli oggetti capaci di raccontare una storia. Forse anche come reazione a una realtà sempre più veloce e standardizzata, sentiamo il bisogno di circondarci di cose che abbiano una dimensione più personale e umana. L’artigianato permette di percepire il tempo che c’è dietro un oggetto, la mano di chi lo ha realizzato, le piccole imperfezioni che lo rendono autentico. Credo che questo sia uno dei suoi valori più contemporanei: non appartiene necessariamente al passato, ma può rispondere molto bene alle esigenze del presente.

Nel suo laboratorio artigiano romano c’è anche uno spazio adibito alla vendita?
Non necessariamente lavorando con rivenditori, ma le porte sono sempre aperte.

Che tipo di distribuzione hanno i suoi prodotti?
La distribuzione è cresciuta progressivamente insieme al progetto. Non c’è stato un unico momento di svolta: un magazine ha portato a un altro, un cliente a un altro cliente, un retailer a nuovi contatti.
Anche fiere ed eventi hanno avuto un ruolo importante, perché permettono di incontrare le persone, raccontare direttamente il proprio lavoro e creare relazioni che spesso si trasformano in collaborazioni durature.
Oggi il mio lavoro si muove quindi tra vendita diretta, retailer, collaborazioni e progetti per hospitality e residential.

Le sue creazioni sono presenti anche all’estero?
Sì, il mio lavoro ha progressivamente superato i confini italiani. È stato un processo naturale, costruito nel tempo attraverso magazine, retailer, fiere, eventi e relazioni professionali.
L’esperienza internazionale è per me particolarmente interessante perché permette di vedere come oggetti profondamente legati alla cultura mediterranea possano essere letti e interpretati in contesti culturali diversi.
Lavoro con UK, Francia, USA, Corea, Giappone, Dubai, Giordania, Libano.

Offre anche un prodotto personalizzato?
Sì, lavoro anche su progetti personalizzati e su commissioni, che rappresentano una parte interessante della mia attività.
Credo che oggi la possibilità di personalizzare un progetto sia importante soprattutto quando permette di creare un rapporto più diretto tra l’oggetto, il committente e lo spazio in cui andrà a vivere. Non significa semplicemente modificare un colore o una dimensione, ma spesso sviluppare un progetto che nasce da esigenze e caratteristiche specifiche.
È una dimensione del lavoro che mi interessa perché permette di mantenere la ricerca autoriale confrontandola, allo stesso tempo, con un contesto reale e con esigenze concrete.

Collabora con rinomati retailer e con prestigiose strutture alberghiere. Può dirmi qualcosa a proposito di questa sua attività?
Le collaborazioni con retailer e strutture alberghiere sono una parte importante del mio lavoro perché mi permettono di confrontarmi con contesti molto diversi da quello dello studio. Mi interessa particolarmente vedere come i miei oggetti cambiano relazione a seconda dello spazio in cui vengono inseriti. Un oggetto pensato per l’ambiente domestico può acquisire un significato completamente diverso all’interno di un hotel, di un ristorante o di un progetto di interior design. Anche in questi casi cerco di mantenere una forte identità del mio linguaggio, lavorando però in dialogo con il progetto e con le esigenze specifiche del cliente. È un equilibrio che trovo molto stimolante: da una parte la libertà della ricerca personale, dall’altra la possibilità di vedere quella ricerca entrare in relazione con architetture, persone e situazioni reali.

Arianna De Luca

Arianna De Luca nasce in Abruzzo, tra colline e mare, in una terra che unisce armoniosamente folklore e natura. Dopo gli studi in Design Industriale in Italia e a Londra – dove ottiene un MA al Central Saint Martins – Arianna si avvicina alla ceramica dopo anni dedicati al design d’interni. Decide così di approfondire il ricco patrimonio degli artigiani di Castelli, nel suo territorio d’origine, dove scopre un mondo di tecniche antiche tramandate di generazione in generazione. Con un approccio coerente e personale, la ceramista onora le tradizioni locali elevandole al linguaggio contemporaneo.
I suoi oggetti sono veri e propri personaggi, dotati di un’anima e di una personalità. Un popolo di ceramiche che diventano presenze. Oggetti in ceramica da collezione che fondono l’eredità mediterranea con un’estetica contemporanea. Ogni pezzo, realizzato a mano in Italia, è una celebrazione della maestria artigianale, del colore e della narrativa culturale pensato per interni che abbracciano un vivere poetico e creativo.

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